Il mito degli artisti del Rinascimento

2024 Autore: Seth Attwood | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 16:08

Secondo la versione ufficiale, a cavallo tra il XIV e il XV secolo, avvenne un brusco cambiamento nella pittura: il Rinascimento. Intorno al 1420, tutti improvvisamente divennero molto più bravi a disegnare. Perché le immagini sono diventate improvvisamente così realistiche e dettagliate e nei dipinti c'era luce e volume?

Nessuno ci ha pensato per molto tempo. Fino a quando David Hockney non ha preso una lente d'ingrandimento.

Una volta stava guardando i disegni di Jean Auguste Dominique Ingres, il caposcuola della scuola accademica francese del XIX secolo. Hockney si interessò a vedere i suoi piccoli disegni su una scala più grande e li ingrandì su una fotocopiatrice. È così che si è imbattuto in un lato segreto della storia della pittura fin dal Rinascimento.

Dopo aver fatto delle fotocopie dei piccoli disegni di Ingres (circa 30 centimetri), Hockney si è stupito di quanto fossero realistici. E pensava anche che le battute di Ingres gli ricordassero qualcosa. Si è scoperto che gli ricordano il lavoro di Warhol. E Warhol ha fatto questo: ha proiettato una foto su una tela e l'ha delineata.

Casi interessanti, dice Hockney. Apparentemente Ingres ha utilizzato la Camera Lucida, un dispositivo che è una struttura con un prisma che è fissato, ad esempio, su un supporto a un tablet. Pertanto, l'artista, guardando il suo disegno con un occhio, vede l'immagine reale e con l'altro - il disegno stesso e la sua mano. Si scopre un'illusione ottica che ti consente di trasferire con precisione le proporzioni della vita reale sulla carta. Ed è proprio questa la "garanzia" del realismo dell'immagine.

Poi Hockney si interessò seriamente a questo tipo di disegni e dipinti "ottici". Nel suo studio, lui e il suo team hanno appeso alle pareti centinaia di riproduzioni di dipinti creati nel corso dei secoli. Opere che sembravano "reali" e quelle che non lo erano. Organizzandosi per il momento della creazione e per regioni - nord in alto, sud in basso, Hockney e il suo team hanno visto un brusco cambiamento nella pittura a cavallo dei secoli 14-15. In generale, tutti coloro che conoscono almeno un po' la storia dell'arte lo sanno: il Rinascimento.

Forse hanno usato la stessa lucida macchina fotografica? Fu brevettato nel 1807 da William Hyde Wollaston. Sebbene, in effetti, un tale dispositivo sia descritto da Johannes Kepler nel 1611 nella sua opera Dioptrice. Quindi, forse hanno usato un altro dispositivo ottico: una camera oscura? Del resto è noto fin dai tempi di Aristotele ed è una stanza buia in cui entra la luce attraverso un piccolo foro e quindi in una stanza buia si ottiene una proiezione di ciò che sta davanti al foro, ma invertita. Andrebbe tutto bene, ma l'immagine che si ottiene proiettata da una fotocamera stenopeica senza obiettivo, per usare un eufemismo, non è di alta qualità, non è nitida, richiede molta luce intensa, per non parlare delle dimensioni della proiezione. Ma fino al XVI secolo era quasi impossibile realizzare lenti di qualità, poiché all'epoca non c'era modo di ottenere un vetro di tale qualità. Cose da fare, pensò Hockney, a quel tempo già alle prese con il problema con il fisico Charles Falco.

Tuttavia, c'è un dipinto di Jan Van Eyck, pittore con sede a Bruges e pittore fiammingo del primo Rinascimento, in cui è nascosto un indizio. Il dipinto si chiama "Ritratto degli Arnolfini".

L'immagine brilla semplicemente con un'enorme quantità di dettagli, il che è piuttosto interessante, perché è stato dipinto solo nel 1434. E lo specchio serve da indizio di come l'autore sia riuscito a fare un così grande passo avanti nel realismo dell'immagine. E anche il candelabro è incredibilmente intricato e realistico.

Hockney era pieno di curiosità. Si è procurato una copia di un simile lampadario e ha cercato di disegnarlo. L'artista ha dovuto affrontare il fatto che una cosa così complessa è difficile da disegnare in prospettiva. Un altro punto importante è stata la materialità dell'immagine di questo oggetto metallico. Quando si raffigura un oggetto in acciaio, è molto importante posizionare i punti salienti nel modo più realistico possibile, poiché ciò conferisce un'enorme quantità di realismo. Ma il problema con questi punti salienti è che si muovono quando lo sguardo dello spettatore o dell'artista si muove, il che significa che non è affatto facile catturarli. E l'immagine realistica del metallo e del bagliore è anche una caratteristica distintiva dei dipinti rinascimentali, prima che gli artisti non provassero nemmeno a farlo.

Ricreando un accurato modello tridimensionale del lampadario, il team di Hockney ha assicurato che il lampadario del Ritratto della coppia Arnolfini fosse disegnato accuratamente in prospettiva con un unico punto di fuga. Ma il problema era che strumenti ottici così precisi come una camera oscura con un obiettivo non esistevano per circa un secolo dopo la creazione del dipinto.

Il frammento ingrandito mostra che lo specchio nel dipinto "Ritratto della coppia Arnolfini" è convesso. Quindi c'erano specchi al contrario: concavi. Inoltre, a quei tempi, tali specchi venivano realizzati in questo modo: veniva presa una sfera di vetro e il suo fondo era coperto d'argento, quindi tutto tranne il fondo veniva tagliato. Il retro dello specchio non è stato oscurato. Ciò significa che lo specchio concavo di Jan Van Eyck potrebbe essere lo stesso specchio mostrato nell'immagine, solo dal lato posteriore. E qualsiasi fisico sa che uno specchio, quando riflesso, proietta un'immagine di quello riflesso. Fu qui che il suo amico fisico Charles Falco aiutò David Hockney con calcoli e ricerche.

La porzione chiara e focalizzata della proiezione è di circa 30 centimetri quadrati, che è esattamente la dimensione delle teste in molti ritratti rinascimentali.

Questa è la dimensione per esempio del ritratto del "Doge Leonardo Loredana" di Giovanni Bellini (1501), un ritratto di un uomo di Robert Campen (1430), il ritratto di Jan Van Eyck "un uomo con un turbante rosso" e molti altri primi ritratti olandesi.

La pittura era un lavoro ben pagato e, naturalmente, tutti i segreti aziendali venivano mantenuti con la massima riservatezza. Era vantaggioso per l'artista che tutte le persone non iniziate credessero che i segreti fossero nelle mani del maestro e che non potessero essere rubati. L'attività era chiusa agli estranei - gli artisti erano nella corporazione, e vi erano gli artigiani più vari - da quelli che facevano le selle a quelli che facevano gli specchi. E nella Corporazione di San Luca, fondata ad Anversa e menzionata per la prima volta nel 1382 (poi corporazioni simili furono aperte in molte città del nord, e una delle più grandi era la corporazione di Bruges - la città dove viveva Van Eyck) aveva anche maestri, facendo specchi.

Così Hockney ha ricreato come si può disegnare un lampadario complesso da un dipinto di Van Eyck. Non sorprende affatto che le dimensioni del lampadario proiettato da Hockney corrispondano esattamente alle dimensioni del lampadario nel dipinto "Ritratto della coppia Arnolfini". E, naturalmente, bagliore sul metallo: sulla proiezione, stanno fermi e non cambiano quando l'artista cambia posizione.

Ma il problema non è ancora completamente risolto, perché prima della comparsa dell'ottica di alta qualità, necessaria per utilizzare una fotocamera stenopeica, mancavano 100 anni e la dimensione della proiezione ottenuta con l'aiuto di uno specchio è molto piccola. Come dipingere quadri più grandi di 30 centimetri quadrati? Sono stati creati come un collage: da una varietà di punti di vista, si è rivelata una sorta di visione sferica con molti punti di fuga. Hockney lo ha capito, perché lui stesso era impegnato in tali immagini: ha realizzato molti collage di foto in cui si ottiene esattamente lo stesso effetto.

Quasi un secolo dopo, nel 1500, divenne finalmente possibile ottenere e lavorare bene il vetro: apparvero lenti di grandi dimensioni. E potrebbero finalmente essere inseriti nella camera oscura, il cui principio è noto fin dall'antichità. La camera oscura dell'obiettivo è stata un'incredibile rivoluzione nelle arti visive, poiché la proiezione potrebbe ora essere di qualsiasi dimensione. E ancora una cosa, ora l'immagine non era "grandangolare", ma all'incirca l'aspetto normale, ovvero approssimativamente lo stesso di oggi quando si fotografa con un obiettivo con una lunghezza focale di 35-50 mm.

Tuttavia, il problema con l'utilizzo di una fotocamera pinhole con un obiettivo è che la proiezione in avanti dall'obiettivo è speculare. Ciò ha portato a un gran numero di mancini nella pittura nelle prime fasi dell'uso dell'ottica. Come in questo dipinto del 1600 del museo Frans Hals, dove ballano una coppia di mancini, un vecchio mancino li minaccia con un dito e una scimmia mancina sbircia sotto il vestito della donna.

Il problema si risolve installando uno specchio in cui è diretto l'obiettivo, ottenendo così la corretta proiezione. Ma a quanto pare, uno specchio buono, piatto e grande costava un sacco di soldi, quindi non tutti lo avevano.

La concentrazione era un altro problema. Il fatto è che alcune parti dell'immagine in una posizione della tela sotto i raggi di proiezione erano sfocate, non chiare. Nel lavoro di Jan Vermeer, dove l'uso dell'ottica è chiaramente visibile, il suo lavoro sembra generalmente delle fotografie, puoi anche notare luoghi sfocati. Puoi persino vedere il disegno che dà l'obiettivo: il famigerato "bokeh". Come ad esempio qui, nel dipinto "La lattaia" (1658), il cesto, il pane e il vaso blu sono sfocati. Ma l'occhio umano non può vedere "fuori fuoco".

E alla luce di tutto ciò, non sorprende affatto che un buon amico di Jan Vermeer fosse Anthony Phillips van Leeuwenhoek, scienziato e microbiologo, nonché un maestro unico che creò i propri microscopi e lenti. Lo scienziato divenne il manager postumo dell'artista. E questo ci permette di supporre che Vermeer abbia raffigurato proprio il suo amico su due tele: "Geografo" e "Astronomo".

Per vedere qualsiasi parte a fuoco, è necessario modificare la posizione della tela sotto i raggi di proiezione. Ma in questo caso sono comparsi errori nelle proporzioni. Come puoi vedere qui: l'enorme spalla di "Anthea" Parmigianino (1537 circa), la piccola testa di "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), i piedi enormi del contadino nel dipinto di Georges de La Tour.

Naturalmente, tutti gli artisti usavano le lenti in modo diverso. Qualcuno per gli schizzi, qualcuno composto da parti diverse - dopotutto, ora era possibile fare un ritratto e finire il resto con un altro modello o con un manichino in generale.

Anche Velazquez non ha quasi disegni. Tuttavia, il suo capolavoro rimase: un ritratto di papa Innocenzo X (1650). Sulle vesti del papà - ovviamente di seta - c'è un bellissimo gioco di luci. Blikov. E per scrivere tutto questo da un certo punto di vista, dovevi sforzarti molto. Ma se fai una proiezione, tutta questa bellezza non scapperà - il bagliore non si muove più, puoi scrivere esattamente con quei tratti ampi e veloci come quelli di Velazquez.

Successivamente, molti artisti hanno potuto permettersi una camera oscura, e questo ha cessato di essere un grande segreto. Canaletto ha utilizzato attivamente la macchina fotografica per creare le sue vedute di Venezia e non lo ha nascosto. Queste immagini, per la loro accuratezza, permettono di parlare di Canaletto come di un documentarista. Grazie a Canaletto, puoi vedere non solo una bella immagine, ma anche la storia stessa. Puoi vedere qual era il primo ponte di Westminster a Londra nel 1746.

L'artista britannico Sir Joshua Reynolds possedeva una camera oscura e apparentemente non ne ha parlato con nessuno, perché la sua macchina fotografica si piega e sembra un libro. Oggi è ospitato nel London Science Museum.

Alla fine, all'inizio del XIX secolo, William Henry Fox Talbot, usando una camera lucide - quella in cui devi guardare con un occhio e disegnare con le mani, imprecò, decidendo che un tale inconveniente doveva essere eliminato con una volta per tutte, e divenne uno degli inventori della fotografia chimica, e in seguito un divulgatore che l'ha resa enorme.

Con l'invenzione della fotografia è scomparso il monopolio della pittura sul realismo del quadro, ora la foto è diventata monopolio. Ed ecco, finalmente, la pittura si liberò dall'obiettivo, proseguendo il percorso da cui si volse nel 1400, e Van Gogh divenne il precursore di tutta l'arte del Novecento.

L'invenzione della fotografia è la cosa migliore che sia successa alla pittura in tutta la sua storia. Non era più necessario creare immagini esclusivamente reali, l'artista diventava libero. Naturalmente, il pubblico ha impiegato un secolo per mettersi al passo con gli artisti nella loro comprensione della musica visiva e smettere di considerare persone come Van Gogh come "pazze". Allo stesso tempo, gli artisti hanno iniziato a utilizzare attivamente le fotografie come "materiale di riferimento". Poi apparvero personaggi come Wassily Kandinsky, l'avanguardia russa, Mark Rothko, Jackson Pollock. Dopo la pittura, l'architettura, la scultura e la musica furono liberate. È vero, la scuola di pittura accademica russa è bloccata nel tempo, e oggi è ancora un peccato nelle accademie e nelle scuole usare la fotografia per aiutare, e l'impresa più alta è considerata un'abilità puramente tecnica di disegnare il più realisticamente possibile a mani nude.

Grazie a un articolo del giornalista Lawrence Weschler, presente alle ricerche di David Hockney e Falco, viene svelato un altro dato interessante: il ritratto dei coniugi Arnolfini di Van Eyck è un ritratto di un mercante italiano a Bruges. Il signor Arnolfini è un fiorentino e inoltre è un rappresentante del banco dei Medici (praticamente i proprietari di Firenze durante il Rinascimento, sono considerati mecenati dell'arte di quel tempo in Italia). E questo dice cosa? Il fatto che potesse facilmente portare con sé il segreto della corporazione di San Luca - lo specchio - a Firenze, dove, secondo la storia tradizionale, iniziò il Rinascimento e gli artisti di Bruges (e, di conseguenza, altri maestri) sono considerati “primitivisti”.

Ci sono molte controversie intorno alla teoria di Hockney-Falco. Ma c'è sicuramente un fondo di verità in esso. Per quanto riguarda gli storici dell'arte, i critici e gli storici, è persino difficile immaginare quante opere scientifiche sulla storia e sull'arte si siano effettivamente rivelate delle assurdità, questo cambia anche l'intera storia dell'arte, tutte le loro teorie e testi.

Il fatto di usare l'ottica non diminuisce in alcun modo il talento degli artisti - dopotutto, la tecnica è un mezzo per trasmettere ciò che l'artista vuole. E viceversa, il fatto che ci sia una realtà reale in questi dipinti aggiunge solo loro peso - dopotutto, era così che apparivano le persone di quel tempo, le cose, i locali, le città. Questi sono documenti veri.

La teoria di Hockney-Falco è dettagliata dal suo autore David Hockney nel documentario della BBC David Hockney "Secret Knowledge", che può essere visualizzato su YouTube (parte 1 e parte 2 in inglese. lang.):